El beso de Judas

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"El beso de Judas"

Después de unos días de fiesta, vuelvo, esta vez mas centrado continuando con mi tarea. Hoy he elegido un libro que considero que es básico, para todo aquel que de una manera creativa se quiera adentrar en el campo de la fotografía, ya que es un libro accesible a la vez que una base teórica y conceptual de una visión muy particular de lo que es al fotografía y la visión de un fotógrafo como es Joan Fontcuberta.

“Como un lobo con piel de cordero, la autoridad del realismo fotográfico pretende traicionar igualmente a nuestra inteligencia. Judas se ahorca agobiado por los remordimientos. ¿Reaccionará la fotografía a tiempo para escapar a su suicidio anunciado”.

Joan Fontcuberta - El beso de Judas

Conocí el libro cuando estudiaba fotografía, gracias a un gran profesor y ahora amigo, Oscar Yanel, el cual entre otras muchas cosas me enseño lo importante de una base teórica en la fotografia. Entre la multitud de autores, fotógrafos, teóricos y artistas, destaco en primer lugar este libro, que aun siendo teoría de la fotografía, estaba redactado de una manera accesible para iniciarse y prescindía de todo lo barroco que suelen tener este tipo de autores. Una lectura recomendable para cualquiera que se quiera acercar al mundo de la fotografía y como a mi me cuesta mucho resumir, os dejo con el resumen de  un blog que visito de manera habitual. De fotografía

"En “El beso de Judas”,  Joan Fontcuberta critica la creencia de que la cámara no miente, basado en el histórico concepto de que la fotografía ha estado al servicio de la verdad, ejerciendo una función testimonial o de registro único. En su libro nos vacuna contra el exceso de realismo de la fotografía, sembrando dudas e incertidumbre sobre la veracidad del registro fotográfico.

Retrato de Joan Fontcuberta en su estudio.

Desde luego la cuestión no es baladí, cuando no son pocos los casos en los que el registro inicial de la cámara no se correspondía con el que hemos visto en los medios. ¿Quién no recuerda la famosa fotografía que la Casa Real Española utilizó como postal de navidad en 2005 y donde el Rey aparecía sin piernas? ¿Cuántas veces se han descubierto las maravillas del tampón de clonar en imágenes de reportaje aparentemente puras y sin retoque alguno?

En la historia, sin herramientas tan potentes como Photoshop se han producido retoques y alteraciones en la imagen original. Hoy en día toda imagen es manipulable y eso lo sabe todo el mundo, así que dudar de lo que vemos se convierte en imprescindible.

A través de los ocho capítulos del “El beso de Judas”, Fontcuberta realiza una reflexión no exenta de ironía acerca de esta cuestión. Basado en su propia experiencia nos obliga a abrir bien los ojos, a ser escépticos ante la imagen fotográfica.

Es posible que algunos estemos de acuerdo acerca de las cuestiones que Fontcuberta plantea y que otros no lo estén.  Sin embargo la lectura de este libro es una buena oportunidad para poner a trabajar las neuronas, pensar en el acto fotográfico y en lo que supone apretar el botón de nuestra cámara."

Pagina web de Joan Fontcuberta

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Jaime Gorospe

Hay fotógrafos que me han marcado mas que otros, hay algunos que en un aspecto mas estético, otros en un aspecto mas conceptual, pero hay otro tipo, son los que me han marcado de una manera muy personal.

Dentro de este grupo se encuentra Jaime Gorospe. Un fotógrafo madrileño al que, aunque hace tiempo que no veo, tengo el placer de conocer y de haber estado durante un tiempo en su estudio. No voy a entrar a evaluar ningún aspecto personal, pues me parece que su obra habla por si misma.

Con un estilo que roza la abstracción la obra de Gorospe, es fotografica y simultaneamente todo lo contrario, pues anula en cierto modo, esa representacion de lo real que proporciona la fotografia, aislando los objetos de los espacios y en muchas ocasiones eliminando también el volumen, anula la realidad fotográfica, para llevarnos a una realidad mas propia de las artes gráficas. Es aquí donde radica la atracción que producen sus imágenes, ya que nos proponen el reto de descubrir la realidad que se oculta tras la forma. 

Es mediante esta composición sencilla de lineas austeras, como capta nuestra atención; atención que muchas veces puede durar horas, pues es en este hilo de comunicación que se establece, entre espectador - imagen, es el que a la vez nos lleva a un planteamiento subconsciente, casi pueril de querer desvelar lo que se nos oculta. Es una fotografía limpia y directa, lo que no quiere decir que sea simple.

Para terminar dejo un articulo publicado por el periódico El Mundo, por que creo que siempre es bueno una segunda opinión.

"Pulcritud, serenidad, suave contraste entre cromatismos puros y fondos inmaculados, enseres domésticos, casi íntimos, desenfoques amables, simplicidad... Todo ello caracteriza las imágenes del madrileño Jaime Gorospe. Adivinamos aquí una voluntad gráfica que aplana los objetos convirtiéndolos en signos apenas desprovistos de volúmenes, en grafías solitarias apresadas por una mirada que busca, lasciva, el espacio entre los filamentos de un peine, la letra encerrada en las curvas de unas tijeras, la sombra anticipada de una distorsión diafragmática, el universo perfecto de los microcosmos artificiales de una canica... Mediante ella, Gorospe se acerca a la belleza inusitada de los estímulos visuales, a una cartografía erótica y abstracta que huye del patrón realidad y ausculta las facultades del color, bordeando la asepsia y evitando, casi por los pelos, la redundante facilidad del autoritario mundo del diseño. Fotografías de excelente factura que bien podrían ganar un pulso más descarnado. " por Abel H. Pozuelo.

Pagina Web de Jaime Gorospe
Articulo de El cultural de Abel H. Pozuelo
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Nobuyoshi Araki

Araki, un fotógrafo japones del que ya he hablado antes en este blog, y el cual parece que genera interés, a la par que polémica, hace que en esta ocasión le dedique una entrada entera.

Araki nació en Japón, el 25 de mayo de 1940, mas concretamente en la cuidad de Tokio. Estudio fotografía en la universidad, donde termino diplomado en 1963. Mas tarde trabajo en publicidad, y en 1970 se casa, pero su mujer muere víctima de un cáncer de ovario y el decide dedicarse por completo a la fotografía. 

En cuanto a sus imágenes, nunca carentes de controversia, se ha de decir que son muy apreciadas en el mundo oriental, ya que estas reflejan en cierto modo una parte oscura y vedada de los formalismo que rodean la sociedad nipona. Este tipo de imágenes que empieza a ser mas prolífica en su obra comienzan en 1980 cuando el artista realiza lo que seria la primera de las series de esta temática en el barrio de Kabukicho en Shinjuku, Tokio.

Como anécdota, cabe destacar, que en una ocasión, en la que el artista envió parte de su obra a Europa, estuvieron a punto de ser destruidas las imágenes por la empresa de mensajería ya que estos las consideraron pornográficas, y en su contrato quedaba por escrito que dicha mensajería no aceptaba el envió de pornografía. Después de solucionar el malentendido, las imágenes llegaron a la muestra, pero esto doto a Araki, de cierta controversia, la cual por otro lado es el mismo el que se dedica a promover.

Entre el morbo, la depravación y la reflexión, Araki nos propone unas imágenes donde todo esta dominado por un componente erótico. Cargadas de sexualidad, de los mas explicita, esta autor, criticado y tachado muchas veces de misógino, nos intenta mostrar la dualidad de la sociedad y nos pone delante de nosotros lo que de cierta manera la sociedad se molesta en ocultar. Es este miedo social de no querer ver lo que hay detrás lo que creo que Araki pretende lanzarnos a la cara, de una manera violenta y elegante, pero ciertamente brutal.

Podemos ver sus trabajos mas recientes en el documental de 2005 Arakimentari, realizado por Travis Klose, donde se muestra la trayectoria de este peculiar fotógrafo, aparte de sus ultimas obras.

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Francesca Woodman

Autorretrato "Sin titulo"
Francesca Woodman

En la linea de autores que de una u otra manera se han acercado a la idea de miedo, tenemos a Francesca Woodman, una fotógrafa que destaca por tener una representación muy personal de lo que se puede entender por miedos internos, es decir el miedo que nos propone esta fotógrafa, es un miedo interiorizado y personal que pretende tomar relevancia a través de la imagen, es a la vez un miedo intimo, ya que ella es protagonista de sus imágenes, y estas no fueron concebidas para su exposición, es mas un catalogo detallado de los miedos personales que ha sido ideado a modo de diario visual. 

"Sin titulo"
Francesca Woodman

Aqui os presento una breve biografía de esta interesante creadora y unas cuantas imágenes que considero como poco darán un poco que plantearse sobre nuestros propios miedos.

Francesca Woodman nació el 3 de Abril de 1958 en Denver (Colorado). Nacida en el seno de una familia de artistas, obtuvo de sus padres sus primeras influencias hacia el arte, de tal forma que, desde pequeña, lo conceptualizó no sólo como un modo de vivir, sino más bien como un modo de pensar.

"Sin titulo"
Francesca Woodman

La infancia de Francesca transcurrió entre un pueblo de Colorado, y una aldea de la campiña toscana frecuentada por artistas y exponentes de la alta sociedad de Florencia. Su interés por la fotografía surgió a una edad muy temprana, con solo 13 años, empezó con sus primeros trabajos, ya adoptando un estilo característico, casi siempre fotografiando en blanco y negro, con formato cuadrado, y dando prioridad a la iluminación para, a través de ella, conseguir centrar la atención sobre un sujeto principal (y normalmente único) en la escena.

"Sin titulo"
Francesca Woodman

Entre los años 1975 y 1979 fue estudiante de la Rhode Island School of Design en Providence, y fue aceptada en el Programa de Honores que le permitía vivir durante un año en las instalaciones de la escuela en Palazzo Cenci en Roma. Allí se identificó con el surrealismo y el futurismo, que desde entonces ganaron presencia en sus fotografías, así como la decadencia, representada en las paredes desnudas y los objetos antiguos que también comenzaron a poblar sus trabajos.

"Sin titulo"
Francesca Woodman

Se trasladó a Nueva York en 1979, donde quiso hacer carrera fotográfica. Envió portafolios a algunos fotógrafos de moda, pero sus esfuerzos no se vieron recompensados. Debido a su fracaso y a una rotura sentimental, Woodman entra en una depresión. El 19 de Enero de 1981 Francesca Woodman se suicidó saltando por una ventana del Lower East Side de Manhattan. Antes de suicidarse, en una carta a un amigo de la escuela, Sloan Rankin, escribía las siguientes palabras. “Mi vida en este punto es como un sedimento muy viejo en una taza de café y preferiría morir joven dejando varias realizaciones… en vez de ir borrando atropelladamente todas estas cosas delicadas…”. 

Articulo extraído de Wikipedia

Si quereis saber mas sobre el mundo de Woodman aqui tenéis dos enlaces que considero de interés.

"Vida y muerte de Francesca Woodman" articulo del periódico El país

Galería de Victoria Miro donde podemos ver algunas de sus imágenes. 

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Zhang Peng una mirada oscura de la inocencia

Zhang Peng es un creador chino nacido en 1981, en la actualidad vive y trabaja en Beijing. Su obra es muy personal y se nota que es sus inicios se decanto mas por la pintura que por otras formas de expresión. Mas tarde comenzó a desarrollar su trabajo fotográfico. Heredero de la animación mas de corte japones que chino, sus imágenes no dejan indiferente a ningún espectador. 

Es esa mezcla melancólica entre inocencia y dramatismo lo que atrae la atención es las imágenes que nos propone. Como modelos suele usar niñas y mediante retoque digital hace que se asemejen a personajes mas dignos de un cómic manga que a una persona real, es esta desproporción, la temática que usa donde podemos ver a sus modelos mas como muñecas frágiles que como seres humanos lo que hace que este autor haya adquirido cierta notoriedad, sobre todo en oriente y en América.

Otro de los aspectos destacables de las imágenes de Zhang Peng, es el color, en un momento como el actual donde la imagen tiende a menos artificios y a unos tonos fríos para, de cierto modo alejarse del espectador y de esta manera darle una perspectiva externa, este autor se apoya en grandes contrastes, tanto de forma como de color, siendo en sus obras muy importante el rojo y el blanco. Son estos dos colores los que suelen teñir los espacios donde se desarrollan las escenas, escenas compositivamente relajadas pero que imprimen tensión por medio de la acción.

Otra forma de miedo, quizás argumentalmente mas heredera de ciertos clichés cinematográficos, como Los chicos de maíz, Damian o El pueblo de los malditos. Aun así a mi me parece interesante trasladar estas lineas argumentales al mundo de la fotografía, un medio que podemos considerar hermano del cine, este me parece otro ejemplo de la retroalimentación que hay entre las diferentes formas de expresión creativa.

Pagina web de Zhang Peng

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Prezít svuj zivot (teorie a praxe) - Sobreviviendo a la vida (teoría y practica)

Cartel original de la película

Hoy, después del fin de semana llego con energías renovadas, después de este breve pero intenso descanso, quiero compartir una película que a mi al menos me ha parecido que merece una mención.

La película a la que me refiero es como habreis adivinado por el titulo "Sobreviviendo a la vida (teoría y practica)" el largometraje, es una comedia psicoanalista como bien dice su autor, co-producida entre la República Checa y Eslovaquia, la trama cuenta la historia de Evzen, un hombre casado que una noche sueña que flirtea con una joven llamada Eva. Con el sueño convertido en una obsesión, Evzen se ve abocado a visitar a un psiquiatra y se inicia entonces una amalgama de universos: los recuerdos de la infancia que elabora en terapia, la vida con su mujer y su recurrente sueño, en el que su romance con Eva va progresando. Nominada a mejor largometraje de animación en el festival de Sitges la cinta destaca por su estética visual, cerca según muchos del surrealismo, a mi personalmente me parece mas cercana al dada, de una manera similar a algunas de las animaciones de los Monty Pithon.

Desde luego es una película que no dejara indiferente, y una recomendación de cine, que puede sorprendernos por lo arriesgado de la realización y por la historia, desde luego una recomendación muy aceptable y por que no decirlo una manera comenzar a descubrir estas pequeñas joyas que muchas veces no se ven del cine europeo.

Sinopsis extraida de filmaffinity
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miedo..... phobos III

Continuando con las entradas anteriores presento a los tres últimos fotógrafos que a mi entender tiene como influencia el miedo en base a su obra. El siguiente autor, Joel Peter Witkin, se podría definir estéticamente como bizarro, su obra de marcada por diferentes influencias de corte bastante pictorialista, es un catalogo del horror, del horror humano, tal y como lo fueron y siguen siendo los Freak Show. La estética de Witkin, es una estética que busca herir al

El Beso (Joel Peter Witkin)

espectador, busca llegar a el a través del impacto, pero a la vez nos muestra diferentes realidades, entre lo macabro y lo surrealista, las realidades oníricas de este autor tienen un marcado sentido estético, mientras que en sus retratos mas accesibles, nos presenta cuerpos con las marcas evidentes de la autopsia, en sus imágenes mas creativas podemos ver miembros, e incluso cabezas seccionadas. Son estos temas, no carentes de cierto morbo, los que nos presenta y a la vez nos plantea una reflexión, sobre la imagen, la imagen como sentido de nosotros mismos, a la vez que lleva la contraria buscando los cánones opuestos a la perfección. 

Es mediante esta oposion a los cánones donde el autor nos lanza ese miedo, que acompañado por una estética hace que nos preguntemos a nosotros mismos acerca de muestra propia imagen, ya no solo de nuestra imagen física, si no de la imagen moral, o mas trascendental. Es esta pregunta mas que la estética de sus imágenes la que a nosotros como espectadores nos plantea a la vez el miedo de mirar hacia nosotros mismos y a la vez el reto de ver lo que podemos encontrar.

Fotografia de la serie
Sniper Shot (Nobuyoshi Araki)

El siguiente de los autores, nos desplaza hasta el pacifico, mas concretamente a Japón. Nobuyoshi Araki, este creador, heredero de la cultura oriental, también nos propone la idea de miedo a través de sus imágenes, dentro las imágenes de Araki, no exentas de cierta controversia, podemos ver ciertos matices de fetichismo, en este tipo de imágenes donde se juega entre la sexualidad y el bizarrismo, nos dan una muestra del miedo de corte primigenio y social que Araki pretende transmitirnos, por que mas allá de las imágenes en si, podemos ver la opresión y restricción que el estilo de vida japonés impone a sus habitantes dentro del sistema, por otro lado, cabe destacar también la visión que este autor nos de de la doble moral que se impone en la cultura japonesa, y que en el mundo globalizado comienza a extenderse. Son las imágenes de Araki las que nos proponen un análisis sosegado de este tipo de miedos sociales, con las modelos inmóviles ante lo que las rodea, atadas y semidesnudas, pretende que el espectador también se desnude ante la multitud de miedos sociales que le rodean.

Exchange ( Andreas Gursky)

Por ultimo y para concluir con los autores con mas influencia dentro del proyecto, hablar de Andreas Gursky, si bien este autor puede chocar estéticamente con los anteriormente citados, considero destacable su labor como antropólogo de la sociedad, y por tanto del miedo social. Es por esto que creo que Gursky, en su labor documental traslada al espectador a unas conclusiones que en cierto modo hacen que este quede anulado como individuo, y este como miedo social, es el que desde que el mundo esta tan globalizado, la sociedad nos impone. Es decir, se busca la superioridad a la masa, el destacar de esta de alguna manera, pero este autor a través de su forma objetiva de trabajar, hace que nos planteemos las realidades de esta diferenciación individual, ante un mundo estandarizado y donde el individuo cada vez tienen menos valor como persona, al contrario de lo que el sistema promulga, Gursky nos muestra como pequeños engranajes de la gran cadena social. Es este miedo a que la unicidad se disuelva con la masa lo que puede ser quizás lo que una a este autor, de un estilo y concepción radicalmente diferente a los anteriores con la idea del miedo sobre la que se pretende trabajar.

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miedo..... phobos II

El Estanque - Moonlight
(Mamaroneck, Nueva York)

Continuando con la publicación anterior. me voy a centrar en la influencia de los diferentes autores, esta vez en el campo fotográfico. en cuanto al miedo en un punto de vista de la imagen fotográfica ha sido tratado al igual que en la literatura, pintura y otras artes de diferentes maneras, por un lado los primeros fotógrafos, seguidores de las corrientes mas pictorialistas siguen anclados en cierto modo en una imagen mas pictórica, propia de la pintura, lo que les lleva a heredar en cierta forma es espíritu romántico, entendido como la corriente artística predominante en la pintura anterior, como estética para sus imágenes, es esta estética acompañada de los pobres medios técnicos de la época la que nos hace de cierta forma retrotraernos a unas imágenes mas lúgubres. 

Magazine (Miroslav Tichy)

Por otro lado y aunque me podría detener en infinidad de fotógrafos que en un momento u otro de su vida han hablado del miedo, de una u otra forma, he decidido centrarme en cinco autores que son para mi, los que a lo largo se su carrera han analizado de cierta forma el miedo, de uno u otro modo. Por ejemplo Miroslav Tichy, que apaerte de su extraña y polémica vida. en sus obras podemos ver como este autor, también a traves de su método de trabajo y de los temas elegidos, retrata las diferentes realidades de su entorno, como un silencioso voayeur, que nos vigila y observa, y es ese miedo a ser descubierto lo que podemos ver en las diferentes imágenes que nos presenta, es decir, nos pone en el punto de vista de el cazador, en el entorno humano. Pero lo que considero aun mas interesante es que es la vista como cazadores la que hace que a su vez reflexionemos y nos pongamos en el punto de vista de la preso, y de este modo podamos llegar a considerarnos a nosotros mismos unas presas dentro de la sociedad en la que vivimos.

Amantes de la televisión
(Jan Saudek)

Jan Saudek, otro de los autores que aunque no con la idea del miedo como fin, su obra si que desprende cierto aura lúgubre, cierto es que se apoya en una técnica y una estética muy personal, pero es mediante estos medios, como logra transmitir esa atmósfera cargada de unos tonos irreales, el miedo de Saudek, es un miedo mas interno, es casi una mirada introspectiva a nuestros propios miedos. es así, mediante esta observación de nosotros mismos, de donde surge todo ese ambiente opresor que acompaña toda la sobre de este fotógrafo.

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