Am I alone?

El beso de Judas

2011-11-02T10:50:00.000+01:00

Portada de
"El beso de Judas"

Después de unos días de fiesta, vuelvo, esta vez mas centrado continuando con mi tarea. Hoy he elegido un libro que considero que es básico, para todo aquel que de una manera creativa se quiera adentrar en el campo de la fotografía, ya que es un libro accesible a la vez que una base teórica y conceptual de una visión muy particular de lo que es al fotografía y la visión de un fotógrafo como es Joan Fontcuberta.

“Como un lobo con piel de cordero, la autoridad del realismo fotográfico pretende traicionar igualmente a nuestra inteligencia. Judas se ahorca agobiado por los remordimientos. ¿Reaccionará la fotografía a tiempo para escapar a su suicidio anunciado”.

Joan Fontcuberta - El beso de Judas

Conocí el libro cuando estudiaba fotografía, gracias a un gran profesor y ahora amigo, Oscar Yanel, el cual entre otras muchas cosas me enseño lo importante de una base teórica en la fotografia. Entre la multitud de autores, fotógrafos, teóricos y artistas, destaco en primer lugar este libro, que aun siendo teoría de la fotografía, estaba redactado de una manera accesible para iniciarse y prescindía de todo lo barroco que suelen tener este tipo de autores. Una lectura recomendable para cualquiera que se quiera acercar al mundo de la fotografía y como a mi me cuesta mucho resumir, os dejo con el resumen de un blog que visito de manera habitual. De fotografía

"En “El beso de Judas”, Joan Fontcuberta critica la creencia de que la cámara no miente, basado en el histórico concepto de que la fotografía ha estado al servicio de la verdad, ejerciendo una función testimonial o de registro único. En su libro nos vacuna contra el exceso de realismo de la fotografía, sembrando dudas e incertidumbre sobre la veracidad del registro fotográfico.

Retrato de Joan Fontcuberta en su estudio.

Desde luego la cuestión no es baladí, cuando no son pocos los casos en los que el registro inicial de la cámara no se correspondía con el que hemos visto en los medios. ¿Quién no recuerda la famosa fotografía que la Casa Real Española utilizó como postal de navidad en 2005 y donde el Rey aparecía sin piernas? ¿Cuántas veces se han descubierto las maravillas del tampón de clonar en imágenes de reportaje aparentemente puras y sin retoque alguno?

En la historia, sin herramientas tan potentes como Photoshop se han producido retoques y alteraciones en la imagen original. Hoy en día toda imagen es manipulable y eso lo sabe todo el mundo, así que dudar de lo que vemos se convierte en imprescindible.

A través de los ocho capítulos del “El beso de Judas”, Fontcuberta realiza una reflexión no exenta de ironía acerca de esta cuestión. Basado en su propia experiencia nos obliga a abrir bien los ojos, a ser escépticos ante la imagen fotográfica.

Es posible que algunos estemos de acuerdo acerca de las cuestiones que Fontcuberta plantea y que otros no lo estén. Sin embargo la lectura de este libro es una buena oportunidad para poner a trabajar las neuronas, pensar en el acto fotográfico y en lo que supone apretar el botón de nuestra cámara."

Pagina web de Joan Fontcuberta

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Ciudad de vida y muerte - Nanjing! Nanjing!

2011-10-31T10:00:00.000+01:00

Cuidad de vida y muertes es una dura película del director chino Lu Chuan, estrenada en al año 2009. La película nos ofrece el relato de la invasión japonesa de la cuidad china de Nakín, durante la segunda guerra Chino-Japonesa. Polémica aparte de sobre los datos de la guerra. La película nos muestra la visión china de la ocupación japonesa, donde se relata la brutalidad de la guerra.

Los japoneses igual que los nazis alemanes, llevaron su particular holocausto en Nakín, entonces capital de la república China. Sin embargo en la película, son los alemanes los que ofrecen protección a la población china, pero su competencia serán limitadas y no podrán evitar la barbarie japonesa.

Cabe destacar de la película, guión aparte, la fotografia, una dirección excelente que impedirá que apartemos la mirada de la pantalla. Una excelente dirección muy cuidada, lo que le ha llevado a ser premiada y reconocida. Por ultimo una selección e criticas recopiladas del portal flimaffinity.

"Escalofriante (...) Si el arranque posee el poder de conmoción del mejor cine bélico, el desarrollo de la tragedia te pone los pelos de punta." (Carlos Boyero: Diario El País)

"Lu Chuan decide 'spielbergizar', en el mejor sentido de la palabra, su modo de narrar el episodio. No es 'La lista de Schindler', ni tampoco 'Salvar al soldado Ryan', pero hay tramos de este espectáculo cinematográfico que no tienen que envidiar en nada a ninguna de ellas." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"Una producción sencillamente impresionante (...) Desde el primer segundo, la cinta se desentiende de la verdad, por sí sola brutal, para entregarse al menos noble arte de desenterrar cadáveres. Hablamos de propaganda." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

"Cine grandioso y contenido al mismo tiempo, impresionante en las formas, respetuoso con lo que cuenta." (Ricardo Aldarondo: Fotogramas)

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Jaime Gorospe

2011-10-27T11:00:00.000+02:00

Hay fotógrafos que me han marcado mas que otros, hay algunos que en un aspecto mas estético, otros en un aspecto mas conceptual, pero hay otro tipo, son los que me han marcado de una manera muy personal.

Dentro de este grupo se encuentra Jaime Gorospe. Un fotógrafo madrileño al que, aunque hace tiempo que no veo, tengo el placer de conocer y de haber estado durante un tiempo en su estudio. No voy a entrar a evaluar ningún aspecto personal, pues me parece que su obra habla por si misma.

Con un estilo que roza la abstracción la obra de Gorospe, es fotografica y simultaneamente todo lo contrario, pues anula en cierto modo, esa representacion de lo real que proporciona la fotografia, aislando los objetos de los espacios y en muchas ocasiones eliminando también el volumen, anula la realidad fotográfica, para llevarnos a una realidad mas propia de las artes gráficas. Es aquí donde radica la atracción que producen sus imágenes, ya que nos proponen el reto de descubrir la realidad que se oculta tras la forma.

Es mediante esta composición sencilla de lineas austeras, como capta nuestra atención; atención que muchas veces puede durar horas, pues es en este hilo de comunicación que se establece, entre espectador - imagen, es el que a la vez nos lleva a un planteamiento subconsciente, casi pueril de querer desvelar lo que se nos oculta. Es una fotografía limpia y directa, lo que no quiere decir que sea simple.

Para terminar dejo un articulo publicado por el periódico El Mundo, por que creo que siempre es bueno una segunda opinión.

"Pulcritud, serenidad, suave contraste entre cromatismos puros y fondos inmaculados, enseres domésticos, casi íntimos, desenfoques amables, simplicidad... Todo ello caracteriza las imágenes del madrileño Jaime Gorospe. Adivinamos aquí una voluntad gráfica que aplana los objetos convirtiéndolos en signos apenas desprovistos de volúmenes, en grafías solitarias apresadas por una mirada que busca, lasciva, el espacio entre los filamentos de un peine, la letra encerrada en las curvas de unas tijeras, la sombra anticipada de una distorsión diafragmática, el universo perfecto de los microcosmos artificiales de una canica... Mediante ella, Gorospe se acerca a la belleza inusitada de los estímulos visuales, a una cartografía erótica y abstracta que huye del patrón realidad y ausculta las facultades del color, bordeando la asepsia y evitando, casi por los pelos, la redundante facilidad del autoritario mundo del diseño. Fotografías de excelente factura que bien podrían ganar un pulso más descarnado. " por Abel H. Pozuelo.

Pagina Web de Jaime Gorospe
Articulo de El cultural de Abel H. Pozuelo
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120 visitas para celebrar la 1000

2011-10-27T09:00:00.000+02:00

Mas de 1000 visitas, Gracias!!!

2011-10-26T10:00:00.000+02:00

Esta sea una de esas entradas que esperaba escribir después de mucho tiempo, pero la verdad es que me hace mucha ilusion escribirla en apenas 3 semanas después de comenzar este proyecto, que es mi blog. Gracias a todos los que me conocéis y me visitais, pero muchas mas gracias para aquellos que no me conocies y aun asi habeis decidido visitarme. Un saludo a todos y espero que me sigáis visitando.

Ahora poniendome un poco menos emocional y mas analítico, la verdad es que me sorprende la cantidad de visitas que llegan de Estados Unidos, casi un 30% de las visitas, y también me ha sorprendido gratamente las visitas que he recibido de ciertos países como, Bielorrusia, Ucrania o Japón.

Otra de las cosas que me sorprende mucho es la cantidad de visitas que reciben las entradas dedicadas a los autores, algo que de verdad me gusta por que soy un apasionado de buscar siempre nuevos creadores, sin olvidarme de los que ya llevan tiempo en este complicado mundo, como es la fotografía y el arte. Pero tampoco me olvido de los que leen mis entradas mas reflexivas, pues me sorprende, que la segunda entrada mas vista sea donde desarrollo la idea de mi proyecto, algo que por una parte me da ánimos para continuar y por otro lado hace que me exija bastante mas dedicación.

Otro de los datos mas gratamente sorprendentes es la cantidad de visitas que llegan gracias al buscador de google, en unos momentos donde el posicionamiento es tan complicado, me ha sorprendido de manera muy grata que mas del 80% de las visitas, lleguen a este blog a través del buscador.

En cuanto a las entradas, os dejo el ranking que por ahora, hay en el blog, para que os hagáis un poco a la idea de los intereses de los visitantes, en primer lugar la entrada sobre la fotografa Francesca Woodman, en segundo puesto, la entrada dedicada a la serie de animacion japonesa, Serial Experiment Lain, el tercer y no se si merecido puesto, es para la tercera parte de las influencias en mi proyecto, miedo.... phobos III, el cuarto es para otra pequeña reflexión personal, fotografia digital .... simplificando el proceso?, un merecido puesto para, Nobuyoshi Araki y un sexto puesto para otra gran obra de animación, Prezít svuj zivot (teorie a praxe).

De nuevo muchas, muchas gracias a todos y solo animaros a dejar algún comentario mas.

Estadísticas a dia 25 de octubre de 2011

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Nobuyoshi Araki

2011-10-25T10:00:00.000+02:00

Araki, un fotógrafo japones del que ya he hablado antes en este blog, y el cual parece que genera interés, a la par que polémica, hace que en esta ocasión le dedique una entrada entera.

Araki nació en Japón, el 25 de mayo de 1940, mas concretamente en la cuidad de Tokio. Estudio fotografía en la universidad, donde termino diplomado en 1963. Mas tarde trabajo en publicidad, y en 1970 se casa, pero su mujer muere víctima de un cáncer de ovario y el decide dedicarse por completo a la fotografía.

En cuanto a sus imágenes, nunca carentes de controversia, se ha de decir que son muy apreciadas en el mundo oriental, ya que estas reflejan en cierto modo una parte oscura y vedada de los formalismo que rodean la sociedad nipona. Este tipo de imágenes que empieza a ser mas prolífica en su obra comienzan en 1980 cuando el artista realiza lo que seria la primera de las series de esta temática en el barrio de Kabukicho en Shinjuku, Tokio.

Como anécdota, cabe destacar, que en una ocasión, en la que el artista envió parte de su obra a Europa, estuvieron a punto de ser destruidas las imágenes por la empresa de mensajería ya que estos las consideraron pornográficas, y en su contrato quedaba por escrito que dicha mensajería no aceptaba el envió de pornografía. Después de solucionar el malentendido, las imágenes llegaron a la muestra, pero esto doto a Araki, de cierta controversia, la cual por otro lado es el mismo el que se dedica a promover.

Entre el morbo, la depravación y la reflexión, Araki nos propone unas imágenes donde todo esta dominado por un componente erótico. Cargadas de sexualidad, de los mas explicita, esta autor, criticado y tachado muchas veces de misógino, nos intenta mostrar la dualidad de la sociedad y nos pone delante de nosotros lo que de cierta manera la sociedad se molesta en ocultar. Es este miedo social de no querer ver lo que hay detrás lo que creo que Araki pretende lanzarnos a la cara, de una manera violenta y elegante, pero ciertamente brutal.

Podemos ver sus trabajos mas recientes en el documental de 2005 Arakimentari, realizado por Travis Klose, donde se muestra la trayectoria de este peculiar fotógrafo, aparte de sus ultimas obras.

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Fotografía, entre el técnico y el artista....

2011-10-24T16:00:00.000+02:00

"Vista desde la ventana en Le Gras"
La primera fotografía realizada por
Nicéphore Niépce en 1826.

Después del fin de semana, tiempo en el que he tenido muchos momentos para pensar en los diferentes aspectos de la fotografía, y leyendo un poco de de unos y otros autores, me he vuelto a plantear, como creo que en algún momento lo ha hecho todo fotógrafo, hasta que punto la fotografía, depende de la técnica, y hasta que puesto esta técnica deja de ser artesanía para convertirse en arte.

Según el diccionario de la R.A.E. el arte en su segunda acepción es: "Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros." y según este mismo diccionario la técnica es: "Conjunto de procedimientos y recursos de que se sirve una ciencia o un arte.".

Daguerrotipo de
Edgar Allan Poe (1848)
tomado por W.S. Hartshorn

Analizando la expresión de arte, yo si considero que la fotografía lo es, por otro lado, también considero que ya sea mediante la fotografía u otro medio de expresión todos requieren de técnicas. quizás la fotografía sea el arte mas técnico, ya que es imposible concebir esta si la maquina fotográfica.

Es por esta serie de motivos, por los que me cuesta entender el enfrentamiento que aun a día de hoy hay entre estas dos visiones, si bien es cierto que con el paso del tiempo la fotografía se ha ido simplificando, sobre todo en sus aspectos mas técnicos, poco a poco sus aspectos comunicaciones cada vez se han ido haciendo mucho mas complejos. Pero al fin y al cabo son dos aspectos que se complementan.

Fotografia de José Mª Mellado

Lo que actualmente me plantea la simplificación de la técnica, es que es la fotografía artística, mas que quien es capaz de hacerla, es decir, una fotografía una técnicamente correcta, puede ser una buena postal, o un excelente documento, aunque de manera artística, puede que nos llegue a trasmitirnos un mensaje.

Es cierto que a día de hoy, las imágenes fotográficas pueblan internet, pero cuantas de estas imagenes nos ofreces nuevos aspectos comunicacionales, la verdad es que en la red , abundan que un las replicas, copias y efectos. Por otro lado, también es cierto que la red, ha dado acceso a el trabajo que miles de creativos están desarrollando, por lo que según mi humilde opinión, la creación como acto y la fotografía como parte de la creación, nos ofrecer un mensaje que puede considerarse artístico en función de la intencionalidad de quien se coloque detrás del aparato técnico.

Para terminar, una cita, de un autor que considero de gran influencia, tanto en la fotografía, como en el mundo del arte.

"Copiar es humano, crear es divino"

Man Ray .

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Serial Experiment lain: filosofia disfrazada de animación

2011-10-21T12:20:00.000+02:00

Otra vez estamos a viernes, y para aliviar un poco la tensión de la semana, quiero hablar de una serie de solo trece capítulos, que aunque es conocida, considero que , por lo menos en españa es poco conocida.

Serial Experiment Lain, es una serie del año 1998, donde se nos muestra un mundo que ya no es tan diferente al nuestro, la verdad es que hacer una pequeña sinopsis de la serie, es complicado, sin desvelar partes importantes de la trama por lo que me permito citar la sinopsis que se hace de esta serie en filmaffity.

"Lain Iwakura, una introvertida chica de 14 años, apenas tiene relación con la Red. Por ese motivo no se entera de unos e-mails que estan circulando sobre una compañera de clase que se acaba de suicidar, Chisa Yomoda. Una semana después del suicidio, Lain recibe este e-mail de Chisa: "Querría que tú, al menos tú, supieras que sigo viva. Mi espíritu está aquí, y en la Red he encontrado a Dios." Al recibirlo, Lían Iwakura empieza su investigación sobre la Red, intentando encontrar una explicación a este increíble mensaje... " Filmaffinity

Son muchos los aspectos interesantes de esta cuidada serie, en primer lugar la trama, que como espectadores en cierto momentos nos encontraremos completamente perdidos, hasta que no lleguemos al final de los trece capítulos y tengamos una vision global de la trama, esto, que en principio puede parecer un defecto es todo lo contrario, pues cuando terminemos de ver la serie, seremos nosotros mismos lo que comencemos a conectar todos los datos que teníamos.

Otros dos aspectos que destacan de manera notable, son por un lado, el cuidado aspecto gráfico, con lo que yo considero una excelente dirección, y la banda sonora. En cuanto a la parte visual, con ciertos momentos en los que la serie se aproxima mas a la video creacion que a el concepto cinematografico, nos separa las dos realidades que se viven en la serie. Tambien destacan las imágenes en cuanto a la cuidada composición, algo, que quizás pueda apreciarse menos ahora, pero que en su momento a mi me dejo bastante marcado, con una estética, limpia y equilibrada por una lado y otra mas confusa y ruidosa, que se van mezclando de manera gradual conforme pasan los capítulos, para darnos a entender el mensaje completo de la serie.

En cuanto a la banda sonora, cabe destacar la gran labor, no solo por la excelencia de los temas de electrónica, si no en los pequeños detalles sonoros que a lo largo de toda la serie van impregnando los pequeños momentos, en este mundo, del futuro cercano, donde la tecnología y la conexión lo domina todo. Como he dicho antes, esto que ahora es mas normal, en el momento de su realización 1998, era mas una teoría, que una realidad. Aun con el paso del tiempo, creo que ver esta serie es una gran inversión, y después de los trece capítulos, nos quedaremos, seguro, con ganas de saber mas.

Serial Experiment Lain Filmaffinity

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Francesca Woodman

2011-10-20T10:00:00.000+02:00

Autorretrato "Sin titulo"
Francesca Woodman

En la linea de autores que de una u otra manera se han acercado a la idea de miedo, tenemos a Francesca Woodman, una fotógrafa que destaca por tener una representación muy personal de lo que se puede entender por miedos internos, es decir el miedo que nos propone esta fotógrafa, es un miedo interiorizado y personal que pretende tomar relevancia a través de la imagen, es a la vez un miedo intimo, ya que ella es protagonista de sus imágenes, y estas no fueron concebidas para su exposición, es mas un catalogo detallado de los miedos personales que ha sido ideado a modo de diario visual.

"Sin titulo"
Francesca Woodman

Aqui os presento una breve biografía de esta interesante creadora y unas cuantas imágenes que considero como poco darán un poco que plantearse sobre nuestros propios miedos.

Francesca Woodman nació el 3 de Abril de 1958 en Denver (Colorado). Nacida en el seno de una familia de artistas, obtuvo de sus padres sus primeras influencias hacia el arte, de tal forma que, desde pequeña, lo conceptualizó no sólo como un modo de vivir, sino más bien como un modo de pensar.

"Sin titulo"
Francesca Woodman

La infancia de Francesca transcurrió entre un pueblo de Colorado, y una aldea de la campiña toscana frecuentada por artistas y exponentes de la alta sociedad de Florencia. Su interés por la fotografía surgió a una edad muy temprana, con solo 13 años, empezó con sus primeros trabajos, ya adoptando un estilo característico, casi siempre fotografiando en blanco y negro, con formato cuadrado, y dando prioridad a la iluminación para, a través de ella, conseguir centrar la atención sobre un sujeto principal (y normalmente único) en la escena.

"Sin titulo"
Francesca Woodman

Entre los años 1975 y 1979 fue estudiante de la Rhode Island School of Design en Providence, y fue aceptada en el Programa de Honores que le permitía vivir durante un año en las instalaciones de la escuela en Palazzo Cenci en Roma. Allí se identificó con el surrealismo y el futurismo, que desde entonces ganaron presencia en sus fotografías, así como la decadencia, representada en las paredes desnudas y los objetos antiguos que también comenzaron a poblar sus trabajos.

"Sin titulo"
Francesca Woodman

Se trasladó a Nueva York en 1979, donde quiso hacer carrera fotográfica. Envió portafolios a algunos fotógrafos de moda, pero sus esfuerzos no se vieron recompensados. Debido a su fracaso y a una rotura sentimental, Woodman entra en una depresión. El 19 de Enero de 1981 Francesca Woodman se suicidó saltando por una ventana del Lower East Side de Manhattan. Antes de suicidarse, en una carta a un amigo de la escuela, Sloan Rankin, escribía las siguientes palabras. “Mi vida en este punto es como un sedimento muy viejo en una taza de café y preferiría morir joven dejando varias realizaciones… en vez de ir borrando atropelladamente todas estas cosas delicadas…”.

Articulo extraído de Wikipedia

Si quereis saber mas sobre el mundo de Woodman aqui tenéis dos enlaces que considero de interés.

"Vida y muerte de Francesca Woodman" articulo del periódico El país

Galería de Victoria Miro donde podemos ver algunas de sus imágenes.

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fotografia digital .... simplificando el proceso?

2011-10-19T10:00:00.001+02:00

Detalle de cámara de negativo Leica

La fotografia digital en principio, se suponía, una manera mas accesible de fotografia, pero a mi entender, nada ha cambiando, solo el nombre de los procesos. Es algo que la mayoría de aficionados les cuesta un tiempo hacerse a la idea, es decir, en un principio, parece que simplemente con una cámara digital, y un programa de post procesado, tenemos el kit completo de fotografía digital. Nada mas lejos de la realidad, ya que para poder obtener copias de cierta calidad, tenemos que volver a aprender todo el proceso que esto implica.

Cuando en la fotografia era analógica, necesitábamos conocer el negativo y el revelador, en función de la utilidad y la intencionalidad final de la imagen, a dia de hoy nos es obligado a conocer el perfil de color, tanto de la cámara como el perfil del espacio de salida que tendrá la imagen. En el momento de positivar, teníamos que conocer que tipo de reveladores usábamos, el tipo de luz de la ampliadora, y el papel, aparte de lo evidente del cambio de proceso y nomenclaturas, tenemos que seguir controlando una cantidad igual o mayor de variables que antes. Ahora es necesario, para una copia de calidad, tener calibrado el monitor e impresora, esta ultima tarea difícil si tenemos que imprimir fuera, ya que en algunos sitios que se llaman profesionales, ni siquiera se molestan en calibrar los plotter.

Persona eliminada de

una fotografia soviética.

Tampoco es que sea un retrogrado de la tecnica, y considero que esta es importante, ya que es la forma en que al final llegara la idea al espectador. También he de decir que la fotografía digital indudablemente ha simplificado ciertos procesos, como es el retoque, entendiendo este como la composición multiple, la eliminación de elementos en la imagen, o la limpieza de imperfecciones en la piel. Si bien es cierto que esto se ha facilitado de una manera clara, es cierto que sobre todo en los inicios de estos tipos de software se ha llegado a abusar de tales efectos. Es esto, lo que poco a poco esta haciendo perder a la fotográfica una de sus unicidades, ya que hoy en día es muy común, que una persona vea una imagen y antes de plantearse que es real se plantee el que estará retocado y el que no. De hecho se han propuesto leyes en diferentes estados para limitar los retoques de imágenes en la publicidad. Esto hace que me pregunte hacia donde tiende la imagen fotográfica, si llegara a perder ese aura de realidad que la hace única y si al final los primeros teóricos tendrán razón y la fotografía volvera a ser una imitación de la pintura. Aunque los fotógrafos -artistas continúan explorando las posibilidades de realidad, la opinión publica cada vez se aleja mas de esta linea.

Imagen perteneciente al blog ion litio, en su articulo "El retoque fotográfico en la antigua Unión Soviética"

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Zhang Peng una mirada oscura de la inocencia

2011-10-18T10:00:00.001+02:00

Zhang Peng es un creador chino nacido en 1981, en la actualidad vive y trabaja en Beijing. Su obra es muy personal y se nota que es sus inicios se decanto mas por la pintura que por otras formas de expresión. Mas tarde comenzó a desarrollar su trabajo fotográfico. Heredero de la animación mas de corte japones que chino, sus imágenes no dejan indiferente a ningún espectador.

Es esa mezcla melancólica entre inocencia y dramatismo lo que atrae la atención es las imágenes que nos propone. Como modelos suele usar niñas y mediante retoque digital hace que se asemejen a personajes mas dignos de un cómic manga que a una persona real, es esta desproporción, la temática que usa donde podemos ver a sus modelos mas como muñecas frágiles que como seres humanos lo que hace que este autor haya adquirido cierta notoriedad, sobre todo en oriente y en América.

Otro de los aspectos destacables de las imágenes de Zhang Peng, es el color, en un momento como el actual donde la imagen tiende a menos artificios y a unos tonos fríos para, de cierto modo alejarse del espectador y de esta manera darle una perspectiva externa, este autor se apoya en grandes contrastes, tanto de forma como de color, siendo en sus obras muy importante el rojo y el blanco. Son estos dos colores los que suelen teñir los espacios donde se desarrollan las escenas, escenas compositivamente relajadas pero que imprimen tensión por medio de la acción.

Otra forma de miedo, quizás argumentalmente mas heredera de ciertos clichés cinematográficos, como Los chicos de maíz, Damian o El pueblo de los malditos. Aun así a mi me parece interesante trasladar estas lineas argumentales al mundo de la fotografía, un medio que podemos considerar hermano del cine, este me parece otro ejemplo de la retroalimentación que hay entre las diferentes formas de expresión creativa.

Pagina web de Zhang Peng

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Prezít svuj zivot (teorie a praxe) - Sobreviviendo a la vida (teoría y practica)

2011-10-17T11:34:00.001+02:00

Cartel original de la película

Hoy, después del fin de semana llego con energías renovadas, después de este breve pero intenso descanso, quiero compartir una película que a mi al menos me ha parecido que merece una mención.

La película a la que me refiero es como habreis adivinado por el titulo "Sobreviviendo a la vida (teoría y practica)" el largometraje, es una comedia psicoanalista como bien dice su autor, co-producida entre la República Checa y Eslovaquia, la trama cuenta la historia de Evzen, un hombre casado que una noche sueña que flirtea con una joven llamada Eva. Con el sueño convertido en una obsesión, Evzen se ve abocado a visitar a un psiquiatra y se inicia entonces una amalgama de universos: los recuerdos de la infancia que elabora en terapia, la vida con su mujer y su recurrente sueño, en el que su romance con Eva va progresando. Nominada a mejor largometraje de animación en el festival de Sitges la cinta destaca por su estética visual, cerca según muchos del surrealismo, a mi personalmente me parece mas cercana al dada, de una manera similar a algunas de las animaciones de los Monty Pithon.

Desde luego es una película que no dejara indiferente, y una recomendación de cine, que puede sorprendernos por lo arriesgado de la realización y por la historia, desde luego una recomendación muy aceptable y por que no decirlo una manera comenzar a descubrir estas pequeñas joyas que muchas veces no se ven del cine europeo.

Sinopsis extraida de filmaffinity
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influencias, todos las tenemos

2011-10-14T10:00:00.001+02:00

Llegando el fin de semana y curioseando, por esta red de redes, e intentado estar un poquito informado sobre lo que pasa con el mundo de la fotografía, he estado visitando la pagina de Photoespaña, a sido entonces cuando he tenido un momento de reflexión , que venia cultivando durante todo el día, sobre lo mucho, que nos marcan las influencias. Con esto no pretendo menospreciar el trabajo de nadie, es solo una idea que llevo planteandome un tiempo y sobre la que hoy he visto algunas imágenes interesantes.

"Mujer pájaro"
Joel Peter Witkin

"Violín de Ingres"
Man Ray

Para continuar la linea de la publicación anterior, volveré sobre las imágenes de Witkin, este autor del que ya he hablado antes y del que, cabe que podría estar algo menos influenciado por otro tipo de obras. Pero si miramos detenidamente algunas de sus imágenes podremos ver como las diferentes influencias también han marcado algunas de estas fotografías, siempre con el toque personal de las tomas realizadas por Witkin, pero en esta imagen por ejemplo la Mujer pájaro, podemos ver una clara influencia de la fotografía tomada por Man Ray en 1924 Violín de Ingres.

"Las Escaleras" Aleksandr Ródchenko

Para mi toda influencia es positiva, y en cierto modo alentadora, pues como decía en las lineas anteriores, todos estamos influenciados, por eso en mi visita por el portfolio, del fotógrafo Carlos Pineda, me ha parecido muy interesante encontrarme con imágenes con una clara influencia del constructivismo ruso, mas concretamente con imágenes de Rodchenko, y es que esto es algo que me ha suscitado una duda, será la fotografía o el arte diferente al resto de la sociedad, donde de manera cíclica, se repiten una y otra vez los mismos patrones, o por el contrario, puede ser una fuerza creadora, que aun consciente de los logros anteriores, pueda dejar a un lado las disputas internas y continúe avanzando

"Sin titulo" Carlos Pineda

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miedo..... phobos III

2011-10-13T10:00:00.000+02:00

Continuando con las entradas anteriores presento a los tres últimos fotógrafos que a mi entender tiene como influencia el miedo en base a su obra. El siguiente autor, Joel Peter Witkin, se podría definir estéticamente como bizarro, su obra de marcada por diferentes influencias de corte bastante pictorialista, es un catalogo del horror, del horror humano, tal y como lo fueron y siguen siendo los Freak Show. La estética de Witkin, es una estética que busca herir al

El Beso (Joel Peter Witkin)

espectador, busca llegar a el a través del impacto, pero a la vez nos muestra diferentes realidades, entre lo macabro y lo surrealista, las realidades oníricas de este autor tienen un marcado sentido estético, mientras que en sus retratos mas accesibles, nos presenta cuerpos con las marcas evidentes de la autopsia, en sus imágenes mas creativas podemos ver miembros, e incluso cabezas seccionadas. Son estos temas, no carentes de cierto morbo, los que nos presenta y a la vez nos plantea una reflexión, sobre la imagen, la imagen como sentido de nosotros mismos, a la vez que lleva la contraria buscando los cánones opuestos a la perfección.

Es mediante esta oposion a los cánones donde el autor nos lanza ese miedo, que acompañado por una estética hace que nos preguntemos a nosotros mismos acerca de muestra propia imagen, ya no solo de nuestra imagen física, si no de la imagen moral, o mas trascendental. Es esta pregunta mas que la estética de sus imágenes la que a nosotros como espectadores nos plantea a la vez el miedo de mirar hacia nosotros mismos y a la vez el reto de ver lo que podemos encontrar.

Fotografia de la serie
Sniper Shot (Nobuyoshi Araki)

El siguiente de los autores, nos desplaza hasta el pacifico, mas concretamente a Japón. Nobuyoshi Araki, este creador, heredero de la cultura oriental, también nos propone la idea de miedo a través de sus imágenes, dentro las imágenes de Araki, no exentas de cierta controversia, podemos ver ciertos matices de fetichismo, en este tipo de imágenes donde se juega entre la sexualidad y el bizarrismo, nos dan una muestra del miedo de corte primigenio y social que Araki pretende transmitirnos, por que mas allá de las imágenes en si, podemos ver la opresión y restricción que el estilo de vida japonés impone a sus habitantes dentro del sistema, por otro lado, cabe destacar también la visión que este autor nos de de la doble moral que se impone en la cultura japonesa, y que en el mundo globalizado comienza a extenderse. Son las imágenes de Araki las que nos proponen un análisis sosegado de este tipo de miedos sociales, con las modelos inmóviles ante lo que las rodea, atadas y semidesnudas, pretende que el espectador también se desnude ante la multitud de miedos sociales que le rodean.

Exchange ( Andreas Gursky)

Por ultimo y para concluir con los autores con mas influencia dentro del proyecto, hablar de Andreas Gursky, si bien este autor puede chocar estéticamente con los anteriormente citados, considero destacable su labor como antropólogo de la sociedad, y por tanto del miedo social. Es por esto que creo que Gursky, en su labor documental traslada al espectador a unas conclusiones que en cierto modo hacen que este quede anulado como individuo, y este como miedo social, es el que desde que el mundo esta tan globalizado, la sociedad nos impone. Es decir, se busca la superioridad a la masa, el destacar de esta de alguna manera, pero este autor a través de su forma objetiva de trabajar, hace que nos planteemos las realidades de esta diferenciación individual, ante un mundo estandarizado y donde el individuo cada vez tienen menos valor como persona, al contrario de lo que el sistema promulga, Gursky nos muestra como pequeños engranajes de la gran cadena social. Es este miedo a que la unicidad se disuelva con la masa lo que puede ser quizás lo que una a este autor, de un estilo y concepción radicalmente diferente a los anteriores con la idea del miedo sobre la que se pretende trabajar.

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miedo..... phobos II

2011-10-11T10:00:00.000+02:00

El Estanque - Moonlight
(Mamaroneck, Nueva York)

Continuando con la publicación anterior. me voy a centrar en la influencia de los diferentes autores, esta vez en el campo fotográfico. en cuanto al miedo en un punto de vista de la imagen fotográfica ha sido tratado al igual que en la literatura, pintura y otras artes de diferentes maneras, por un lado los primeros fotógrafos, seguidores de las corrientes mas pictorialistas siguen anclados en cierto modo en una imagen mas pictórica, propia de la pintura, lo que les lleva a heredar en cierta forma es espíritu romántico, entendido como la corriente artística predominante en la pintura anterior, como estética para sus imágenes, es esta estética acompañada de los pobres medios técnicos de la época la que nos hace de cierta forma retrotraernos a unas imágenes mas lúgubres.

Magazine (Miroslav Tichy)

Por otro lado y aunque me podría detener en infinidad de fotógrafos que en un momento u otro de su vida han hablado del miedo, de una u otra forma, he decidido centrarme en cinco autores que son para mi, los que a lo largo se su carrera han analizado de cierta forma el miedo, de uno u otro modo. Por ejemplo Miroslav Tichy, que apaerte de su extraña y polémica vida. en sus obras podemos ver como este autor, también a traves de su método de trabajo y de los temas elegidos, retrata las diferentes realidades de su entorno, como un silencioso voayeur, que nos vigila y observa, y es ese miedo a ser descubierto lo que podemos ver en las diferentes imágenes que nos presenta, es decir, nos pone en el punto de vista de el cazador, en el entorno humano. Pero lo que considero aun mas interesante es que es la vista como cazadores la que hace que a su vez reflexionemos y nos pongamos en el punto de vista de la preso, y de este modo podamos llegar a considerarnos a nosotros mismos unas presas dentro de la sociedad en la que vivimos.

Amantes de la televisión
(Jan Saudek)

Jan Saudek, otro de los autores que aunque no con la idea del miedo como fin, su obra si que desprende cierto aura lúgubre, cierto es que se apoya en una técnica y una estética muy personal, pero es mediante estos medios, como logra transmitir esa atmósfera cargada de unos tonos irreales, el miedo de Saudek, es un miedo mas interno, es casi una mirada introspectiva a nuestros propios miedos. es así, mediante esta observación de nosotros mismos, de donde surge todo ese ambiente opresor que acompaña toda la sobre de este fotógrafo.

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miedo..... phobos I

2011-10-10T10:00:00.000+02:00

Detalle del infierno de El Jardín de las delicias.

El miedo como tema de la creación artística ha sido usado lo largo de toda la historia del arte, desde las primeras representaciones de los dioses mas primitivos, los cuales tenían su antagonista, hasta artistas mas actuales que han centrado si trabajo en esta idea del miedo, si bien es cierto que en algunos casos, mas cercano al miedo mas cinematográfico o de freak show. Algunos de los autores mas reconocidos que han tratado sobre el miedo, y que han ejercido de cierta forma una influencia en la fotografía, podemos encontrarlos desde la edad media, es el caso de El Bosco, Jeroen Anthoniszoon van Aeken, pintor neerlandés del siglo XVI, donde en una de sus mas famosas obras, El jardín de las delicias, representa el cielo, el infiero y el purgatorio, y donde dentro de estos dos últimos la expresión predominante es el miedo, como resultado un tríptico, que algunos definen como dantesco, si bien es verdad que la divina comedia seria escrita algunos años mas tarde.

Grabado sin título (llamado "el puente"),
la placa VII (de 16) de la serie
Las cárceles imaginarias (Le Carceri d'invenzione), Roma, 1761

Otro de los autores plásticos que para mi cabe destacar dentro de la escena anterior al invento fotográfico, es Piranesi, Giovanni Battista Piranesi un arquitecto y grabador romano, que durante el siglo XVIII, realizo una serie de obras, en las que ya se pueden ver ciertos rasgos de unos miedos mas sociales que primitivos, algo que con la llegada de la fotografía y la "liberación" de la pintura también sucederá durante las vanguardias. Es necesario nombrar de este periodo de las vanguardias cuadros como el conocido El Grito del pintor expresionista Edvuard Munch, en el cual el el contexto social, que en ese momento empieza a experimentar la psicología de Freud. nos vuelve a llevar a unos miedos mucho mas sociales, que a unos miedos primarios, es decir la expresión del miedo comienza a evolucionar, separandose por un lado los miedos, mas primarios de los autoimpuestos por la sociedad, es así como surgirán, gracias a la psicología dos corrientes en el momento de entender el miedo.

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realidad y ficción..... las dos caras de la fotografía

2011-10-09T12:33:00.000+02:00

"Milk" - Jeff Wall 1984

Siempre es difícil, hablar sobre lo que uno piensa y por que hace cada cosa, por lo menos para mi es difícil. Es por esto que creo que para empezar el blog sobre mi proyecto debo plantearme una reflexión sobre lo que es la fotografía, no pretendo con esto hacer una tediosa reflexión al estilo del los grandes autores. Solo pretendo organizar lo que para mi es la fotografía, que me atrae o me aleja de este medio y por que lo amo y en ocasiones llego a odiarlo.

Para este análisis rápido de lo que es para mi la fotografía he elegido la imagen de Jeff Wall, que es a mi modo de ver, uno de los fotógrafos que de manera personal mas me ha influido, pero no por sus grandes textos, no por sus imágenes, mas bien por la dualidad impune con la que presenta su obra. Es un teórico entre creadores, es un creador entre los teóricos, pero no solo eso, la dualidad que este hombre plantea va mas allá de la teoría y la practica, es una dualidad estética y técnica, es una dualidad intelectual.

Estas dualidades son, las que hacen sus fotografías tan únicas, ya que son pocos los que se plantean absolutamente todo, aun conociendo, son capaces de abstraerse de las influencias y hacerse un nuevo planteamiento, dualidades como recrear una escena mas propia de instantánea, que de una toma realizada con gran formato, o como ignorar la estética, creando de este modo una estética propia que cobra el sentido completo con la semántica del mensaje.

Así es la fotografía, una amante esquiva entre la realidad y la ficción, realidad, por que la lente, fría y calculadora, es capaz de captar realidades que nosotros no somos capaces de contemplar; ficción, por que solo mostramos parcelas de una supuesta realidad. Pero tampoco seamos cínicos ¿Quien no queda fascinado ante una buena fotografía?

Jeff Wall . Wikipedia

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